Jaime Monge: „Ich möchte mit meiner Arbeit Frieden vermitteln.“

Jaime Monge ist von Beruf Architekt und aus Berufung Maler. Seine Werke sind um die Welt gereist und haben durch sie entlegene Orte entdeckt, an denen sich die Menschen mit seinen Gemälden identifizieren.

-Wie sind Sie in die Welt der Malerei eingestiegen?

Ich habe lange als Architekt gearbeitet, aber ich habe immer gemalt. Alles, was ich gemacht habe, habe ich von Hand gemalt. Von Anfang an dachte ich, Architektur sei für Menschen da; sie gab meinen Projekten Leben. Als ich nach Spanien zurückkehrte, beschloss ich, einen Schritt weiter zu gehen und die Architektur aus diesen Plänen zu eliminieren und die menschlichen Landschaften zu verlassen.

-Alles dreht sich um Menschen...

Ja, ich habe gemerkt, dass die Leute das Gespür für die Geschichte hatten, und habe damit angefangen zu arbeiten. Der Mensch steht im Mittelpunkt all meiner Arbeit. Ich habe mich von diesem Konzept weiterentwickelt, das sehr philosophisch, aber auch sehr grafisch und künstlerisch ist. Letztendlich ist es ein Element, das mir als Sprache gefällt, als Signatur all meiner Arbeiten.

-Die Menschen, mit denen Sie arbeiten, sind Miniaturen, sehr minimalistisch und abstrakt. Was stellen sie dar, wenn Sie sie zusammen malen?

– Es ist sehr interessant, wie Sie sie abstrakt nennen. Meine eigentliche Absicht ist es, diese Menschen zu schematisieren, ihre Merkmale zu entfernen, um sie verallgemeinern zu können und jedem das Gefühl zu geben, Teil von ihnen zu sein. Ich möchte, dass sie als karikaturhafte Elemente erhalten bleiben und eine emotionale Verbindung zu ihnen aufbauen, ja sogar die Geschichten in ihnen leben. Wenn diese Geschichten zusammenkommen, entstehen menschliche Landschaften mit einem sekundären Zweck. Ein allgemeineres Konzept, das sich um Momente, Erinnerungen an Strände, Landschaften oder architektonische Elemente, Volumen und Räume dreht, die ich basierend auf meinen Erfahrungen erschaffe.

- Bringen Sie Leben in Ihre Gemälde?

Ich denke über alles nach, was mit mir und den Säulen meines Lebens zusammenhängt. Familie, Freundschaft und Sport sind mir wichtig, und ich sehe meine gesamte Arbeit durch die Entstellung dieser Elemente repräsentiert. Sie haben jedoch eine sehr positive Konnotation, weil ich es mag, wenn meine Arbeit Frieden vermittelt. Sehr geometrisch korrekte Gedanken, die Frieden und ein wenig Glück bringen, gute Stimmung, die einen dazu anregen, sie ohne Stress zu betrachten.

- In Ihren frühen Gemälden arbeiteten Sie in Schwarzweiß, später verwendeten Sie jedoch viel Farbe. Was ist der Grund für diesen Wechsel?

Ich denke, die Arbeit spiegelt das Leben des Künstlers wider – oder sollte es zumindest teilweise sein. Und in meinem Leben ist es mein Sohn, der viel Farbe in alles gebracht hat, was ich tue. Ich fühle mich, als wäre ich zur Unschuld der Kindheit zurückgekehrt. Und ich versuche, grafisch fröhlichere Konzepte mit Farben zu schaffen, die diese Fröhlichkeit schnell vermitteln. Ich versuche immer, sie architektonisch und geometrisch durchdacht darzustellen, damit diese Konzepte funktionieren.

-Wie passt Design in diese architektonischen und sehr persönlichen Konzepte?

Ich stamme aus einer Architektenfamilie, und meine Frau ist Innenarchitektin. Jeder in meinem Umfeld ist von Architektur und Design beeinflusst. Ich glaube auch, dass diese Elemente einen gemeinsamen Nenner haben: Kunst und Kreativität. Ich mag Design, weil es meiner Meinung nach darum geht, Alltagsgegenstände kunstvoll zu gestalten. Es erfordert jedoch viel Kreativität, da es mehr Einschränkungen gibt. Ich mag es, Kunst in diese Dinge zu bringen.

- Sie haben über verschiedene Künste gesprochen. Gibt es noch eine andere, die Ihre Aufmerksamkeit erregt?

Vor knapp einer Woche habe ich ein Werk für einen meiner Sammler fertiggestellt. Mit der Seele eines Architekten möchte ich, dass meine Kunst volumetrisch ist und Teil des Raumes wird. Derzeit arbeite ich an einer Skulptur, einem sehr schönen Projekt, das später veröffentlicht wird, weil ich es mag, wenn alles unter Kontrolle und sorgfältig durchdacht ist.

-Haben Sie zu Beginn Ihrer Projekte Zuschüsse oder Stipendien erhalten?

-Nicht wirklich, denn ich habe ganz organisch und mit einer sehr langfristigen Ausrichtung angefangen. Ich hatte nicht das Bedürfnis, Fördermittel zu suchen. Die bildenden Künste erhalten wenig staatliche Unterstützung; wir haben einen Mehrwertsteuersatz von 21 % für Galerien und 10 % für Künstler. Das benachteiligt uns gegenüber anderen europäischen Ländern, in denen es einen ermäßigten Mehrwertsteuersatz für Kunst gibt. Galerien gelten nicht als Kulturgüter, aber ohne eine, die einen vertritt, kann man nicht auf Messen gehen. Es gibt private und kommunale Initiativen, wie zum Beispiel die Stadt Madrid mit dem Centro Centro, das lebende zeitgenössische Künstler fördert. Wir mussten das nie tun, weil es ein langsamer Prozess ist und ich nicht das Bedürfnis hatte, exorbitant zu wachsen.

-Wer sind Ihre Referenzen in Malerei und Architektur?

In der Malerei sind dies Künstler, die eng mit Architekten zusammengearbeitet haben und deren Kunst reich an Geometrie und sehr klaren, prägnanten und abstrakten Konzepten ist. Die Akribie Michelangelos, die Detailgenauigkeit Jan van Eycks und die abstrakte Farbgeometrie Wassily Kandinskys. Diese Künstler sind eher klassisch, aber dennoch zeitgenössisch, wie Basquiat, Tàpies und David Hockney. Dann gibt es Architekten wie Tadao Ando, der diese asiatische Akribie besitzt, und Frank Gilbride mit seinen einfachen Linien.

- Betrachten Sie sich als Erbe von Juan Genovés?

Genovés ist ein Maßstab, ein Genie auf seinem Gebiet und ein Pionier einer wunderschönen Technik und Kunstbewegung. Leider habe ich in der Kunstwelt über die Jahre nicht viel von ihm gesehen; ich habe kaum jemanden gesehen, der ihn repräsentiert. Ich kann nicht sagen, ob ich ein Erbe seiner Art von Arbeit bin, da ich versuche, einen eher einzigartigen Weg zu verfolgen, der sich an meinen Erfahrungen orientiert. Aber er wird zweifellos immer eine Referenz sein. Er ist ein entscheidender Teil der Entwicklung der Kunst in Spanien und eine sehr wichtige globale Referenz. Als Spanier kann man stolz sein.

Sie haben internationale Messen wie die Tokyo Art Fair in Japan und die Red Dot während der Miami Art Week besucht. Sie waren auch an nationalen Messen wie der Estampa, der Messe für zeitgenössische Kunst in Madrid, beteiligt. Wie gehen Sie mit diesem Aspekt Ihrer Arbeit um?

Ich habe meine Managerin Carol, die für die Organisation und Kontrolle von allem verantwortlich ist. Ich finde es wichtig, die verschiedenen Märkte und Menschen weltweit zu verstehen und kennenzulernen. Es ist sehr interessant, diese Menschen kennenzulernen und zu erfahren, wie sie meine Arbeit interpretieren und was sie daraus mitnehmen. In so nahegelegenen Orten wie Berlin interpretieren sie meine Arbeit viel genauer, weil die Architektur dieser Stadt von einem ausgeprägten Perfektionismus geprägt ist.

-Wer ist Ihrer Meinung nach Ihr ideales Publikum?

Ich denke gerne, dass ich kein ideales Publikum habe. Glücklicherweise habe ich Sammler aus aller Welt. Sowohl sehr junge, für die dieses Werk vielleicht das erste in ihrer Sammlung war, als auch erfahrenere oder bekanntere Sammler, die erkannt haben, dass meine Arbeit ein wichtiger Teil ihrer Sammlung ist. Ich verstehe, dass Kunst in diesem Fall keine sozialen oder demografischen Grenzen kennt. Ich würde auch sagen, dass ich eine starke Verbindung zu Architekten habe.

Sie haben erwähnt, wie unterschiedlich das Berliner Publikum ist. Was unterscheidet das Berliner Publikum und den europäischen Markt noch von Spanien?

-Ich würde sagen, das ist relativ subjektiv. Ich habe keine Daten, sondern Erfahrungen mit Menschen. Ich habe mit Sammlern aus aller Welt gesprochen, und meine Werke sind um die ganze Welt gereist. Zum Glück haben sie sich überall in sie verliebt. Ich habe keine guten oder schlechten Zahlen. Ich hoffe, dass jeder eines meiner Werke besitzen kann; das ist es, was letztendlich zählt. Ich habe gute Erfahrungen in Europa gemacht, und Spanien ist immer noch meine größte Fangemeinde, weil ich dort aufgewachsen bin und angefangen habe zu arbeiten, und mein Erbe hier wächst weiter.

Der Kunstmarkt erlebt derzeit einen Abschwung. Betrifft Sie das in irgendeiner Weise?

- Als aufstrebender Künstler habe ich keinen Rückgang bemerkt. Weder Höhen noch Tiefen. Ich bin in meinem jeweiligen Karriereabschnitt relativ stabil. Viele Leute mögen meine Arbeit, und ich habe diese Einbrüche nicht erlebt. Ich denke, diese Höhen und Tiefen gibt es vielleicht bei größeren Künstlern, auf dem Sekundärmarkt usw.

- Und betrifft Sie das Patronatsgesetz in Spanien auch nicht?

- Ehrlich gesagt, hat es mich nicht beeinflusst. Ich denke, ich gehe in einem entspannten Tempo vor, ohne dieses donnernde Tempo oder diese Höhen und Tiefen. Ich versuche, mich nicht beeinflussen zu lassen; manchmal ist das aufgrund der Ereignisse um mich herum unmöglich, aber für einen etwas größeren Markt muss es so sein.